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什么是美?美从哪里来?请记住这三位大师的名字

  • 时间:2016-10-31 19:59
  • 来源:未知
  • 作者:澳门星际新闻网

  “美”,是一个常用词。从原始人的生存策略,到苏格拉底、柏拉图和黑格尔的深奥论述,到千万年来无数艺术家的呕心沥血,一直到我们现实生活中的一个小物件,我们来述说“美”。还有生活、进化、风格、流派、灵感、观念、下意识,由之,我们来展示美。美之旅,这是第一站。什么可以称得上是美?美是什么?美从哪里来?有三位大师在历史上对“美”有所突破,创新,甚至反叛,请记住他们。

亨利?马蒂斯的《舞蹈》

  亨利?马蒂斯的《舞蹈》

  第一个人:从古典到现代的华丽转身--莫奈

  在马蒙丹美术馆内珍藏着一幅名叫《日出?印象》的作品,画中描绘了晨雾笼罩中日出时分的港口:天空中蓝灰色、橙红色、金黄色、棕红色、浅灰色围绕着那轮生机勃勃的红日,海面上鱼白色、浅蓝色、灰蓝色、浅黄色、淡紫色映衬着照在海面上的一缕橙色波光。这幅画的色彩真是丰富极了,但它并不具备传统的真实的美感。这幅画在很长一段时间内被人诽谤奚落,然而却在几经考验后,被奉入巴黎马蒙丹美术馆并成为印象主义绘画的开山之作,是西方美术发展史上的一大转折。

《日出?印象》

  《日出?印象》

  这幅画的作者名叫克劳德?莫奈(Claude Monet,1840?1926),他是法国画家,印象派的代表人物和创始人之一。莫奈出生于法国巴黎,巴黎也是他中年创作最旺盛时期活动的地方。

莫奈自画像

  莫奈自画像

  莫奈从小就非常喜欢画画。一个偶然的机会,莫奈遇到风景画家欧仁?布丹(Eugene Boudin)。布丹习惯在露天作画,主张“一定要去寻找自然的纯朴的美”“要顽强地保留最初的印象”,这些早期的绘画教育影响了莫奈后来的创作方向。

  19世纪的巴黎是全世界的艺术中心,聚集了来自世界各地的优秀艺术家。当时在绘画领域占据主导地位的是古典主义,力求画什么像什么,画面上物体的颜色通常是在柔和的光线下物体的固有色。

  从历史来看,当任何一种艺术风格统治时间太长、技术接近完美时,就一定会出现创新和突破。那时古典主义绘画已经发展了几百年,可以说达到了完美的阶段。所以,当时的法国有为数众多的新锐艺术家正在尝试各种新的绘画风格,莫奈就是其中一员。年轻的莫奈对古典绘画技巧不感兴趣。在巴黎期间,他曾拒绝按照父母的愿望去当时最具名望的巴黎国家艺术学校学习,而经常盘桓于创新画家聚集的咖啡馆,参观当时的先锋艺术画展,并且多次和其他画家一起到野外的自然光线中进行创作,寻找新的绘画表现手法。

马奈的《草地上的午餐》

  马奈的《草地上的午餐》

  与莫奈在一起的有那时已经以《草地上的午餐》而出名的画家马奈和新秀德加、西斯莱、雷诺阿、毕沙罗,这些画家后来都被认为是印象派的奠基人。他们成立了“无名画家、雕刻家、版画家协会”,并准备开办一次大型群展。其实他们不过是一群交往密切、共同作画、共同探讨艺术的年轻艺术家,没有统一的思想,也没有固定的组织和纲领。从19世纪60年代到70年代,经过10年左右的探索,终于形成了较成熟的新画风。

  1874年,第一次群展开幕了,共有30位艺术家创作的160余幅作品参展。展览没有取得成功,而是引起大多数参观者的不满,甚至招来谩骂,人们普遍认为展品粗糙、毫无美感,全部是未完成的“涂鸦”之作。在嘘声中首当其冲的是莫奈的油画《日出?印象》。一位艺术评论员看完画展后在文章里对这幅画忍不住大加嘲讽:“《日出?印象》模糊地、令人难受地呈现在人们面前,证明了作者的无知及对美与真实的否定,毛坯一样的糊墙纸也比这海景更完整些!”连带着,评论员把这篇文章的题目定为《印象主义者展览会》。评论员带有讽刺意味的“印象主义”一词却被这群画家接受,他们认为他们追求的就是“自然的纯真的印象”。从此,一个新的画派正式形成了。

  其实,一向推崇时尚的法国观众对新的艺术形式算得上是宽容的。19世纪初,法国出现了浪漫主义画派;到30年代,又出现了现实主义画派。这两个画派都是反古典主义的。浪漫主义画派主张使用强烈的色彩,在作品里表达画家的感情;现实主义画派提倡走出户外,在自然的光线下创作,还原出物体的真实面貌。这两个画派在当时的欧洲曾经风靡一时。同为创新艺术,为什么印象主义却那么让人难以接受呢?这里有一幅乡村风景画派??巴比松画派代表人物卡米耶?柯罗(Camille Corot)的风景画,让我们拿它来跟莫奈的《日出?印象》比较一下,你就清楚了。

巴比松画派代表柯罗的风景画作品

  巴比松画派代表柯罗的风景画作品

印象派代表莫奈的《日出?印象》局部

  印象派代表莫奈的《日出?印象》局部

  比较这两幅图,可以看到:同样是以水为题材的画,在柯罗的笔下,桥梁、房屋、蓝天,甚至连房前的树木都刻画得真实而有立体感,笔触也很细腻,画面明暗有致,红棕色的墙和屋顶,绿灰色的水中倒影,是我们通常看到的这些物体的固有颜色。

  而莫奈的画上,除了那轮初升的红日,几乎没有一个完整的形体,画面充斥着率性的大笔触,前景和中景的小船,水面的波光和远处的建筑,基本上就是些色块的堆砌。柯罗的画是忠于现实的,在用光上非常注意明暗关系的变化,像一幅未曾被美化过的照片。而莫奈的画则忽略了物体的形似,注重表现阳光投射在物体上造成的真实的色彩效果。

  当时科学已经证明:物体的颜色是会随着环境和光的变化而发生变化的。早上的阳光投射在海面上,海面是金黄色的;中午的阳光投射却使海面变成蓝绿色。印象派画家就是抓住这瞬息万变、转瞬即逝的光与色的印象,用自己的画笔记录下眼前看到的光与色。换句话说:柯罗的画会让你回想起你曾经去过的与画上风景相似的地方,而莫奈的画却会唤起你在任何一个地方经历日出时的观感印象。抛弃完全的形似,传达瞬间的永恒,这正是印象派画家追求的效果。但是这种新的艺术风格打破了当时大众的审美习惯,所以印象派在出现之初屡遭诟病,直到19世纪末期,才真正开始被公众接受。

  印象派绘画忽略题材的情节性和故事性,他们关心的是怎样画,关心色彩线条给视觉造成的印象和刺激,而不在乎其内容,不再关心画什么。这一点对现代艺术的影响尤为深刻。继印象派之后,法国又出现了新印象派和后印象派,以及被称为现代艺术开端的野兽派。

  让我们借野兽派代表人物?法国画家莫里斯?德?弗拉曼克(Maurice de Vlaminck)的一幅画,来看看印象派对未来艺术的深远影响吧。

野兽派代表莫里斯的《塞纳河上的拖船》

  野兽派代表莫里斯的《塞纳河上的拖船》

  你可以看到三幅画作的区别,印象派在前后的传承作用显而易见,印象派的画忽略的是现实主义强调的物体的形似,注重的是阳光投射在物体上造成的真实的色彩效果,而野兽派画作则在表达色彩的基础上,又在色彩中加入了画家的观感和情绪。

  这幅名为《塞纳河上的拖船》的画,同样以水为主题,但它的色彩更大胆鲜艳,关键是它的颜色已经不一定是阳光投射在物体上反射的颜色,而是加入画家赋予这个物体的颜色了。它脱离了对自然的模仿。画上的船、海水以及岸边的房屋都平面化,不讲究远近透视,不计较明暗和阴影。尽管如此,你仍然不难看出,这幅画在手法上跟《日出?印象》有很多相似之处。只不过,比起印象派,野兽派更加强调色彩带来的视觉冲击力,更喜欢用大块的红色、青色、绿色、黄色作画,线条和色块更加单纯。也可以说,野兽派画家更加追求主观情感的表达和画面的抽象构成。

  印象主义意味着感觉和观察方式的变革,也是艺术从共性走向个性的转折点。从19世纪70年代到20世纪初,这短短的数十年间,法国出现的一系列绘画艺术流派影响了整个世界100多年,并陆续影响了其他媒体的艺术发展,这些艺术形式包括音乐和文学。可以说印象派的出现是传统艺术走向现代艺术的转折点。而莫奈一生的几次绘画风格变革,正好体现了从古典写实到现代艺术的演变过程。

  在《日出?印象》展出40年后,当诸如德加、雷诺阿等印象派元老还在守着原来的画风时,莫奈却又往前走了一步。那个时期的《睡莲》系列,画风比以前更加简练抽象,用色更加大胆浓郁,油彩描绘下来的,已经不是所见的物体本身,而是画家观照的过程。

莫奈晚年的画作《睡莲》

  莫奈晚年的画作《睡莲》

  不过莫奈这一时期的作品在很长一段时间里不被大众重视,甚至连同时代的印象派画家也批评他,认为他将自己的意愿凌驾于自然之上,过于“先锋”。直到1950年以后,随着抽象表现艺术的发展,人们才发现,莫奈晚期的作品已经走向了前人从未有过的自由的表现领域。

  1926年12月5日,莫奈死于肺癌,享年86岁。他遗留下500多幅素描,2000多幅油画。如今他在吉维尼村的故居变成了一座圆厅型的博物馆,厅内四壁陈列着《睡莲》系列作品,成为巴黎最重要的旅游景点之一。

莫奈25岁时的画作《塞纳河口》,画风写实

  莫奈25岁时的画作《塞纳河口》,画风写实

莫奈37岁时的画作《圣拉扎尔火车站》,典型的印象派风格

  莫奈37岁时的画作《圣拉扎尔火车站》,典型的印象派风格

莫奈64岁时的画作《雾中的国会大厦》,色彩饱满,笔触更自由

  莫奈64岁时的画作《雾中的国会大厦》,色彩饱满,笔触更自由

莫奈80岁时的画作《日本式行人天桥》,已经具有完全的现代派风范

  莫奈80岁时的画作《日本式行人天桥》,已经具有完全的现代派风范

  第二个人:幸存的德军飞行员,相信人人都是艺术家--博伊于斯

  1944年3月,苏联红军在克里米亚附近的东部战线向德国纳粹军团发起猛攻,想一举把德军赶出乌克兰地区。3月16日,一架德军飞机飞入苏军战地,向一部高射炮开火之后,被苏军炮火击中。飞行员竭尽全力,好不容易飞回德军战线内。这时,飞机高度表突然失灵,而一场雪暴悄然降临,飞机失去了航向,坠毁在风雪之中。机上的两名驾驶员,一名当场死亡,而另一名因为没有系安全带,被甩出了机舱,虽然身受重伤,却幸免于难。

  多年以后,那位幸存的飞行员在世界各地多个场合讲述了自己的这段经历,他告诉人们:是克里米亚的一群鞑靼人把他从雪堆中挖了出来,并把他带回他们的帐篷。那群好心的鞑靼人用草药为他疗伤,用动物油脂和毛毯包裹着他,为他保暖,还用流质的奶制品喂他。他在鞑靼人的帐篷里躺了八天,直到德军救援队找到他。他说,如果没有这些居住在德苏前线之间的鞑靼人,自己不可能活到今天,这段经历他永远都不会忘记。

  “二战”结束后,这位幸存的飞行员从英军的战俘营获释,进入德国杜塞尔多夫国立艺术大学学习艺术,后来成为20世纪最具影响也是最受争议的艺术家之一。他叫约瑟夫?博伊于斯(Joeseph Beuys)。

飞行员时期的约瑟夫?博伊于斯(1921年5月12日?1986年1月23日)

  飞行员时期的约瑟夫?博伊于斯(1921年5月12日?1986年1月23日)

  博伊于斯被鞑靼人救护的故事,后来被很多人考证说是博伊于斯自己编造的。不喜欢他的人拿这件事作为攻击他的重要证据,说他是个骗子。对此,他的太太曾辩解:那是他受伤后长期昏迷所产生的幻象。

  在后世研究博伊于斯的专家中,有人这样认为:那是艺术家下意识里对那段惨痛的战争经历的回避,是他自我治疗的一种方式。博伊于斯的人生,就是一个用艺术进行自我治疗和反思的过程。

  今天我们提到德国,最令人钦佩的大概是德国人敢于承认错误、善于自我反省的性格。实际上,直到20世纪60年代,德国大部分学校的历史课只上到“二战”之前就戛然而止。对于许多德国人来说,“二战”的耻辱不是屠杀,而是战败。如果不是20世纪60年代末至70年代初出现了一大批像博伊于斯那样有良知、有勇气的知识分子和艺术家,德国不可能成为今天的样子。

  想象一下,如果你背着父母偷偷玩刀子,割伤了自己的手指,你会怎么办?虽然你疼得要命,但你大概不敢向爸爸妈妈哭诉吧?谁让这是你的错呢?除了自己,你没有人可以埋怨,也无法向外界寻求安慰。这该多么令人郁闷啊!在一次行为艺术活动中,博伊于斯也用刀子割伤了自己的手指,可是他没有理会流血的伤口,而是专心地去包扎刀刃。

  有人说,艺术家博伊于斯想要表达的是消除恶行(造成创伤的原因)比弥合创伤更为重要。也有人说,他想要借此讽刺?当时很多人不敢面对伤口,一味寻找借口来掩盖和美化自己的恶行。

  不管是哪种理解,都离不开战争经历对艺术家造成的影响。作为一名曾经因5次负伤而获得纳粹“伤员金奖”的德军下士,博伊于斯反思自己当年犯下的恶行时所产生的心理上的疼痛,比你割伤自己手指所造成的疼痛要强烈得多。

白衬衣、马甲和帽子,是典型的博伊于斯形象

  白衬衣、马甲和帽子,是典型的博伊于斯形象

  在博伊于斯的故事里,鞑靼人的油脂和毛毡使他恢复了体温,让他感受到了温暖。这两种东西后来也成为他作品里最经常出现的元素。博伊于斯艺术的一大特点,就是他喜欢把一些奇奇怪怪的东西作为自己作品的原材料。他认为材料本身就是艺术,因为只是不同的材料的自然特征就能给观赏者带来不同的感受:毛毡形成温暖感;油脂、蜂蜜或巧克力能带来能量;石蜡有流动感,能在液体和固体间变换……而这些材料的不同组合又会赋予它们新的象征意义。在他的作品里,你还可以看到铜块、蓄电池、各种电器、鲜血、尘垢、指甲、骨头、棺材板……形形色色,不一而足。

  不过,也正是因为这些材料超出了传统的形式,博伊于斯作品的象征意义经常非常晦涩,很难令人接受。博伊于斯很少对自己的作品进行解释。他觉得,艺术品的意义在于唤起观众的思考,至于什么样的思考,可以因人而异,不必有定性。

《油脂椅》:一把椅子上放着一堆油脂。按照正文对油脂的解释,你觉得这个装置作品象征着什么呢?

  《油脂椅》:一把椅子上放着一堆油脂。按照正文对油脂的解释,你觉得这个装置作品象征着什么呢?

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  1969年装置作品《群》:从一辆老旧的汽车后箱里,涌出一串雪橇。每个雪橇上都用军用皮带绑着一小块油脂、一卷毛毡和一盏照明灯。有人说,汽车象征着面临末日的旧体制,雪橇象征着人类的善和希望;也有人说,雪橇给人感觉像是一群狼,是对当时美国入侵越南的讽刺。

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  《带着蓄电池的桌子》:方正老旧的桌子上放着同样方正的类似电池的东西,两根随意弯曲的线连接着两个陶土球。博伊于斯想表达什么呢?有人认为这是博伊于斯在寻求救赎20世纪病态社会的能量?不是来自科技,而是来自大地(陶土)和自然。

  博伊于斯反对风格对艺术作品的限制。他认为,艺术如果只有形式而不能对社会产生影响,就不算是真正的艺术。所以他提倡艺术走出画廊、展览馆、艺术学院,走到人群中,走到社会上去。这给后来的艺术家们提供了一个无比巨大的空间,以至于有拥护者称他为“现世达?芬奇”。

  战争让博伊于斯对政治制度产生了怀疑,他也不喜欢现代社会中人与人之间的隔绝和冷漠。他认为,艺术才是人类最原始的表现方式,也是改造一切的力量。他相信人人都是艺术家:一方面,每个人都有成为艺术家的潜力;另一方面,他把整个社会看成一件大艺术品,每个人的行为都是这个大艺术品的一个组成部分。所以他提倡发掘人的艺术潜力,也就是自我意识和创造力。号召用艺术来代替政治,这样就再也不会出现战争,社会也会变得更温情、更美好。他把这叫作“社会雕塑”。

  1961年,博伊于斯接受了母校杜塞尔多夫艺术学院的教职。他反对当时学校对申请读艺术学院的学生进行考试选择的制度,认为每个人都有受教育的权利。别的教授不收的学生,他一概收下。到了1972年,他的班上一共有400多个学生,而别的教授最多只有30个。他的这一举动惹恼了校方,校方对他发出警告,他就带着学生占领校务办公室,希望迫使校方接收被拒的学生。当天,他被学校所在的北威州的文化部长解雇。

  这件事激怒了艺术学院的学生,他们用绝食和罢课进行抗议,抗议行动成为媒体报道的焦点,得到世界各地的支持。但是,州政府并未收回成命。博伊于斯状告州政府,直到1980年他才赢得这场官司。1973年,博伊于斯在被解雇一年之后,坐着自己学生亲手做的一叶独木舟,横渡莱茵河,来到艺术学院所在地。这个行动引起极大的社会轰动。很多人观看了这一被称为“接博伊于斯回家”的行动。

  其实,从违例接收学生,到带领学生占领校务办公室,再到后来的坐独木舟回到学院,这一系列行动都可以看成是博伊于斯“社会雕塑”的一系列行为艺术作品。

  博伊于斯最有名的“社会雕塑”作品之一,是在1982年的卡塞尔文献展上的一个名为“用绿化城市代替管理城市”的行为艺术活动。他计划种植7000棵橡树,并在每棵树旁立一块碑,以此抗议工业社会对人类居住环境的破坏。这项工程延续了好几年,直到他死后才完成。很多人参与了这项行动,大部分参与者不是艺术家。

  在博伊于斯1983年的作品《20世纪的终结》中,你可以看到一些巨大的玄武岩凌乱无序地平躺着,每一块岩石的一端都穿插着一个圆孔,里面塞着岩石和毛毡。这是否唤起你一种“世界陷入了无法控制的状态”的感觉?

接博伊于斯回家

  接博伊于斯回家

在博伊于斯发起的“用绿化城市代替管理城市”活动中种植的部分橡树

  在博伊于斯发起的“用绿化城市代替管理城市”活动中种植的部分橡树

《20世纪的终结》,现藏于柏林当代艺术博物馆

  《20世纪的终结》,现藏于柏林当代艺术博物馆

博伊于斯在卡塞尔弗里德里希安姆博物馆前种下的第一棵橡树

  博伊于斯在卡塞尔弗里德里希安姆博物馆前种下的第一棵橡树

  第三个人:“反艺术”的艺术家--杜尚

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  这是什么?好像是一个倒着放的小便池?

  没错!不过,这可不是普通的小便池,它是一件赫赫有名的艺术品。小便池也能成为艺术品?

  1917年,当杜尚把这个小便池作为艺术品送去参加展览时,很多人提出过同样的问题。当时谁也无法想象,这个小便池会被后人评为20世纪最具影响力的艺术品,而它的创作者杜尚会被誉为“现代艺术的保护神”。

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  杜尚是谁?为什么小便池会成为艺术品?让我们从头说起。

  杜尚的全名叫马塞尔?杜尚(Marcel Duchamp),1887年出生在法国,在全家六个孩子里排行第三。他的外祖父、两个哥哥和一个妹妹都是画家。他父亲性格平和,通情达理,不会干涉子女的决定。因此,虽然生长在这样一个“高大上”的艺术家庭,杜尚却是15岁才开始学画,17岁去巴黎的一家艺术学校上学,只上几个月他就自作主张跑去服兵役了?他其实只有高中学历。

  1906年,杜尚从部队复员回到巴黎,在艺术家哥哥的影响下,他重新拾起了画笔。从1906年到1912年的6年时间里,杜尚把印象派、野兽派和立体主义等各样风格都尝试了一遍。这个极具天赋的年轻人迅速成为巴黎先锋派艺术家沙龙的成员,有资格参加每年一度的全国展览会,也有画廊经销他的画。

  受杜尚影响的达达派艺术家曼?雷的作品《礼物》创作于1972年,由熨斗和长钉组成,令人浮想联翩。

  1912年是杜尚人生中非常重要的一年,在这一年里埋下了他成为“神”的种子。这年5月,杜尚把自己的一幅名为《下楼梯的裸女》的油画送去巴黎有名的“独立画展”,却被画展的评委会拒绝展出。据说,在画展开幕的那天早上,杜尚的两个画家哥哥穿着丧服去到杜尚的画室,告诉了他这个坏消息。可是杜尚却表现得相当淡定,他叫了一辆出租车,到画展取回了自己的画。

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  《下楼梯的裸女》:杜尚把一个女人下楼梯的动作分解成若干个片段,再把这些片段叠加起来。他想通过这种方法表现一个连续的过程,让人感觉到人行走的韵律和动态。这幅画现藏于美国费城艺术博物馆里,已成为20世纪最有名的艺术品之一。

  自那以后,杜尚找了一份图书管理员的工作,从此淡出巴黎艺术圈。但是他并没有停止艺术创作。同年秋天,杜尚和朋友去观看一个航空技术展览,他被科技的创新以及工业产品的完美形态震住了。他当场对自己的艺术家朋友说:“艺术玩完了!谁能制造出比这螺旋桨更美的东西?你能吗?”

  《下楼梯的裸女》后来被一位美国策展人看中,带去了美国。虽然这幅画1913年得以在纽约国际现代艺术展上展出,却遭到了美国艺术界的大肆嘲弄。这幅画带来的负面效应让杜尚对传统艺术形式彻底失去了信心。他说:“对我来说,绘画已经过时了,是浪费精力,毫无意义。”这也是杜尚最后一幅油画作品,他的艺术迎来关键的转折点。

  也是1913年,杜尚做出了他的第一件现成品艺术品:《自行车轮》。据杜尚后来说,这件作品被他妹妹当成没用的垃圾给扔掉了。现在摆放在纽约现代艺术博物馆里的,是1951年重做的复制品。

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  杜尚和他的现成品艺术品?《自行车轮》:为了消遣,杜尚曾转起车轮说:“就好像在观看一团火焰,它是一件令人愉悦的小玩意,它的运动让人愉快。”《自行车轮》被认为是第一件“动态雕塑”。

  后来,杜尚又做了几件现成品艺术品,不过真正让他登上“神”位的,是他1917年的作品《喷泉》(fountain),也就是我们开始看到的那个小便池。

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  在英语里,“fountain”既有“喷泉”的意思,也有“便池”的意思。当时杜尚已经移居纽约,小便池是他在一家叫作“J.L.Mott”的浴具公司买的,于是他在小便池上签上“R.Mott”的化名,写上日期,并把它寄到纽约独立艺术家协会。这个协会每年举办一次艺术展,按照协会的规定,任何艺术家,只要支付6美元,就可以在展会上展出两件艺术品,展品内容和形式“不受任何偏见”限制。杜尚也是这个协会的成员。

  这件作品引起轩然大波:大多数人感到震惊、不解,甚至愤怒,除了一个好朋友,谁也不知道它是杜尚的作品。协会成员经过激烈讨论,决定拒绝展出这件作品。这个结果其实早在杜尚意料之中,他的目的达到了,他退出了协会。

  杜尚送小便池参展的目的是什么呢?

  在杜尚生活的年代,造型艺术对于人们来说至少应该具有两个特质:第一,它应该带来美的视觉感受;第二,即便不美,它至少应该是艺术家自己创造出来的。这两点小便池显然都不符合。当杜尚声称小便池是艺术品时,其实是提出了这样的问题:为什么艺术必须是美的?为什么艺术品必须是艺术家创作出来的?

  你一定知道牛顿和苹果的故事,在那个故事里,牛顿也问了一个“为什么”。杜尚借他的小便池提出的“为什么”,在某种意义上,跟牛顿和他的苹果是一样的。而在这两个“为什么”背后,隐藏着两个更深刻的问题:究竟什么是艺术?什么是美?

  在《蒙娜丽莎》的廉价复制品上加以装饰,杜尚于1919年创作了这件现成品艺术品,取名为“L.H.O.O.Q”。杜尚自称“反艺术”和“反美”,实际上,他反对的是传统和权威,而非艺术本身。

  杜尚用他的小便池提供了一种答案:即便是生活中最平常的日用品,只要你能找到一个角度,展现它的新意和独特性,它就可以成为艺术品。重要的不是作品本身,而是它所表达的观念。

  如果把造型比作江河,那么“观念”就是“海”,那是一个更深更广阔的世界。杜尚用他的小便池为人们打开了一扇窗,让人们看到了“海”。之后出现的多种当代艺术潮流和门派,或起源于这个小便池,或受到它的影响。它改变在《蒙娜丽莎》的廉价复制品上加以装饰,杜尚于1919年创作了这件现成品艺术品,取名为“L.H.O.O.Q”。杜尚自称“反艺术”和“反美”,实际上,他反对的是传统和权威,而非艺术本身了西方美术史的进程,改变了人类对“艺术”一词的理解,因而被后人推崇为现代艺术的里程碑。

  《喷泉》的原作在1917年丢失,很可能又是被扔到垃圾堆里去了。现在世界上很多博物馆都有这件作品的复制品,它们都是经过杜尚授权制成的,并有他的亲笔签名。

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  杜尚的玻璃绘画艺术作品《大玻璃》,受未来主义风格启发

  除了是现成品艺术家,杜尚还是第一个在玻璃上画画的艺术家,他也拍过电影,做过装置艺术。不过,他的艺术作品很少,现成品艺术品只有20多件,他认为,一旦艺术成为潮流,就不再是艺术了。

  杜尚并不看重艺术家这个身份,认为艺术家跟工匠并没有什么区别;他甚至不看重艺术,认为艺术是人发明的,没有人就没有艺术。他感兴趣的是人,是生活本身。他拒绝做艺术家,也不加入任何流派。他非常喜欢下国际象棋,曾经是法国国际象棋国家队队员,参加过5届奥运会比赛。

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  热衷于国际象棋的杜尚

  杜尚也是一个追求简单的人,他没有财产,吃穿住行都是越简单越好。这种对于简单的追求使他能够保持心灵的自由,保持独立思考的能力。这才是他伟大的实质。

  1968年10月,杜尚去世。他还在世的时候,就已经有人开始研究他。后来,人们还设立了以他的名字命名的艺术奖项。这个心灵自由、不愿受任何权威和流派拘束的艺术家,死后却被套上了权威流派领袖的枷锁,甚至被尊为“神”。杜尚若泉下有知,一定会想不到自己要为盛名所累吧!

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